¿Qué es el cubismo?

El cubismo es una tendencia pictórica (es decir, concerniente a la pintura) nacida en Francia entre 1904 y 1914 y cuyo exponente más conocido lo constituye el pintor y escultor español Pablo Picasso (1881-1973).

El cubismo es considerado como una tendencia fundamental en el desarrollo de las artes contemporáneas, puesto que abrió campo a las vanguardias europeas del siglo XX, a través de una flagrante ruptura con los modelos de perspectiva tradicionales hasta la época y vigentes desde tiempos renacentistas

El término cubismo no fue propuesto por los mismos pintores, sino por la crítica especializada del momento, en voz de Louis Vauxcelles, quien afirmaba que las obras estaban formadas por pequeñísimos cubos. Al respecto, no obstante, afirmará luego Picasso que “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro”.

Características del cubismo

1. Perspectiva múltiple

El mayor acto de rebeldía del cubismo lo emprende contra la noción acostumbrada de perspectiva, proponiendo en sustitución una perspectiva múltiple, que representa la totalidad de los objetos en un mismo y único plano.

Así, apostando por las formas geométricas para representar la naturaleza, el cubismo abandona la apariencia real de las cosas desde un punto de vista único, prefiriendo abordarlas desde lo que se conoce de ellas. Eso permite representar los objetos y a las personas de frente y de perfil simultáneamente, renunciar a la sensación de profundidad  y a la seducción de los sentidos, y proponer el entendimiento y el intelecto en su lugar.

En ese sentido son herederos de la “reacción constructiva” de Cezánne, quien afirmaba que toda la naturaleza puede entenderse geométricamente.

2. Manejo del color

La intensidad de colores del impresionismo y sobre todo el fovismo, no fueron de interés para los pintores cubistas, quienes optaron por grises, verdes y marrones con baja luminosidad. Durante la primera etapa del cubismo, de hecho, predominó una paleta monocromática, a la que luego fueron sumándose gradualmente mayores colores.

3. Referentes pictóricos

El cubismo no emprendió una variación sustancial de sus referentes, que continuaron siendo los bodegones, paisajes y retratos tradicionales. Su interés apuntaba más al modo de representarlos, que a la escogencia de lo representado en sí.

La idea era que el arte fuera menos imitativo del mundo real, abrazando su condición de arte y su independencia estética. Dicha tendencia alcanza su punto máximo en los collages, donde se interviene el lienzo con papeles y maderas pegados y clavados.

4. Inicios

El cubismo inicia formalmente con el cuadro Las señoritas de Avignon (Demoiselles D’Avignon) de Pablo Picasso, si bien se acusa como precursores al mismo Cézanne y a Georges Seurat. Otros estudiosos acusan la importancia de la fotografía en la liberación del arte pictórico de la necesidad de ser fiel a lo real, ya que la cámara podía hacerlo de manera más fiel e inmediata.

También se ha dicho que el cubismo se hizo eco de una necesidad de reformulación de los puntos de vista que ya estaba en el ambiente, con la aparición del psicoanálisis, la Teoría de la relatividad y el interés por la cuarta dimensión.

El nacimiento del cubismo tomó lugar en París, ciudad de gran relevancia cultural en la época, de la mano de los maestros del género que llegarían a ser Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque y Fernand Léger.

5. El cubismo analítico

Se conoce con este nombre a la primera etapa del cubismo, que va desde 1909 a 1912, y en la que predomina la monocromía en grises y ocres, como un gesto de desdén hacia el color, ya que únicamente interesaba el trabajo de geometrización de la realidad.

También se le apoda cubismo “hermético”, dado que en su afán por descomponer los puntos de vista, algunas de las obras presentadas durante este período eran tan retadoras que casi parecían ser abstractas.

En esta etapa el cubismo empezó a exhibirse al público, no sin escándalo y rechazo de la crítica, en 1911. En la sala 41 del Salón de los Independientes se mostraron obras de Jean Metzinger, Fernand Léger, Robert Delaunay, Albert Gleizes y Henri Le Fauconnier.

Al año siguiente aparecieron los primeros estudios críticos y teóricos del cubismo, de mano de los propios Gleiz y Metzinger: “Sobre el cubismo”, y del poeta y entusiasta Guillaume Apollinaire: “Los pintores cubistas. Meditaciones estéticas”.

Los futuristas, en cambio, le reprocharon al cubismo la falta de movimiento en sus cuadros, que interpretaban como rechazo al dinamismo propio de la época.

6. El cubismo sintético

Esta etapa posterior del cubismo inicia en 1912 y dura alrededor de dos años más. Su nacimiento se vincula con la incorporación de parte de Georges Braque de palabras y números en sus obras, abriendo camino así a la tendencia que Picasso y él mismo explorarían en sus primeros collages, adhiriendo madera o papel periódico a los lienzos.

El primer cuadro de Picasso en emplear dicha técnica fue Naturaleza muerta con silla de paja (1912), trabajando el cuadro con pasta de papel y hule.

Durante esta época el color de los cuadros cubistas se enriquece notoriamente, y el estilo se torna más figurativo, si bien los objetos siguen estando reducidos a sus características esenciales y expresados en un lenguaje geométrico.

La Primera Guerra Mundial debilitó esta etapa del cubismo en su momento de mayor productividad, cuando numerosos pintores franceses fueron llamados a filas en 1914.

7. Final del cubismo

La muerte del cubismo puede ubicarse hacia 1919, en el inicio del período de posguerra. La mayoría de los pintores cubistas emprendieron caminos estéticos diferentes, como el dadaísmo o directamente el abstraccionismo.

Únicamente Juan Gris continuó con sus experimentaciones cubistas, a través de un estilo muy depurado que reducía los objetos a su esencia geométrica. Picasso, a su vez, terminaría sumándose a los surrealistas.

8. El cubismo en la literatura

Gustav Apollinaire, conocido escritor francés, fue un entusiasta del cubismo a grado tal, que se propuso adaptarlo a la literatura. He allí que concibiera sus célebres “caligramas” e “ideogramas”, en los que buscaba representar formas alegóricas al mensaje literario, empleando para ello el propio texto escrito.

Empeñado en superar las fronteras entre los géneros artísticos, Apollinaire experimento con éstas y otras formas de poesía visual, logrando una obra que luego serviría de gran inspiración a los surrealistas, encabezados por Bretón.

9. El cubismo en la escultura

Picasso mismo produjo numerosas estatuas, siguiendo los lineamientos cubistas que le inspiraban. Pero no fue el único: Alexander Achipenko, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Pablo Gargallo y Julio González fueron fértiles escultores cubistas, siendo este último además un pionero del uso del hierro a través de la soldadura autógena.

Los principios de la escultura cubista apuntan al aprovechamiento de material de desecho, a través de técnicas similares al collage, en lugar de trabajar un mismo bloque de piedra o mármol. Así fue desarrollándose la estética de “ausencia de masa”, ya que eran figuras tridimensionales con agujeros y vacíos en su superficie.

10. Incursiones en el cubismo

Pintores de muchas otras tendencias incursionaron eventualmente en el cubismo, antes de continuar por sus senderos artísticos singulares. De esta manera, el cubismo fue un movimiento muy influyente en las escuelas artísticas posteriores.

Así, el pintor holandés Piet Mondrian cultivó el cubismo analítico durante sus años en París, antes de volver a Holanda y fundar el grupo De Stijl en 1917. Otros casos interesantes son los de Marchel Duchamp y Jacques Villon, este último con un cubismo moderado que empleó colores vivos.

Otros ejemplos conocidos de ello fueron los artistas Emilio Petorutti, María Blanchard, Carlos Sotomayor y Enrique Sosbisch.

                       

Tipos de columnas Romanas

Gran parte de lo que los romanos aprendieron acerca de las columnas de la arquitectura provenía de su interacción y logros con otras culturas, como Grecia. Usando dórico, jónico y columnas corintias, los romanos fueron capaces de construir una variedad de estructuras, incluyendo templos, palacios, puentes, alcantarillas y anfiteatros.

Todos los tipos de columnas romanas estaban compuestos de una capital o corona (parte superior), el eje (centro) y la base (parte inferior). Las columnas romanas no sólo proporcionan un proyecto que fue agradable a la vista, sino también una forma de apoyar de manera uniforme el peso de las estructuras colocadas sobre ellos.

Columnas dóricas

De los tres tipos principales de columnas romanas, columnas dóricas tiene el diseño más siencillo. La longitud de columnas dóricas están fuertemente acanalados y se cubre con capiteles en forma de platillo. Estos marcos también contienen el capital de forma convexa y una losa de forma cuadrada llamado ábaco. Columnas dóricas sentaron frisos que representaban imágenes de vida de las personas y de los dioses en la alternancia de tablas de piedra llamados triglifos y metopas .

Columnas jónicas

Los romanos aprendieron a diseñar columnas jónicas de los griegos en Asia. Con su estructura fina y el eje estriado, este tipo de columna es más elegante que el tipo dórico. La forma delgada de la parte media de la columna jónica es contrastada por la mirada adornada de su corona. La columna jónica se caracteriza por su capital consiste en dos opuestas formas espirales de desplazamiento, llamados rollos. En Charlotte, Carolina del Norte, La AME Zion Church Little Rock fue construido en 1911 y tiene un fuerte de columnas jónicas de exposición en su entrada. Un ejemplo clásico de columnas jónicas romana se puede encontrar en la segunda fila de los arcos del Coliseo, que están enmarcadas por medias columnas de estilo jónico.

Columnas corintias

Con un diseño detallado y elegante, las columnas corintias son las más decorativas de los tres tipos de columnas romanas. Las columnas corintias tienen delgados, ejes estriados, como columnas jónicas, pero difieren en la composición de su capital. Capiteles corintios tienen la forma de una campana y enmarcado por hojas de acanto. Sybil templo de Roma está rodeado de una exposición de columnas corintias. Columnas corintias La mitad también se encuentran la elaboración de la tercera fila de los arcos del Coliseo.

Arte Moderno

El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local.

La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico. El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas. El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.

Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.

Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.

Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.

De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento. Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió lugar al impresionismo y posimpresionismo. Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo, el fauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo. A partir de los años 50 y 60 fueron aàreciendo otras formas de expresión del arte moderno como el expresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo.

El renacimiento

El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.

Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI

En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.

Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:

El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.

La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)
En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.

Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.

Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Angel Buonarroti y otros. En su mayoría también eran arquitectos.

La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra disciplina donde demostraría su destreza avanzando posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las proporciones de la arquitectura antigua.

Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura , estas serían artes "mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática , geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico".
"La puerta del paraiso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un punto de inflexión en la historia del arte.

Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social.

Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se mostraría como comitente.

Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.

Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara más esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.

Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría en el pionero de la Filología Clásica , entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.

En lo que refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los siglos venideros.

Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un "Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia.

De este modo se recrea la Antigüedad como un imperio cristiano eterno. Siendo el Renacimiento un instrumento persuasivo, de la historia de Italia y utilizado como legitimador de una autoridad temporal y espiritual. Se puede limitar la arquitectura papal a los siglos XI y XVI donde alcanza el papado su máximo poderío y estuvo enmarcado en los movimientos de reforma religiosa decisivos. Donde el empeño de la iglesia fue fortalecer y propagar la fe en una comunidad en crecimiento especialmente, en el vulgo y la población laica no perteneciente a la nobleza.

El vulgo que se enriquecía crecía y emigraba a las ciudades cuando antes vivía en las tierras de los señores feudales o en pequeñas poblaciones de Italia, la Iglesia desidio prestarle una mayor atención y su arquitectura sería un medio de propaganda papal dirigida a los más receptivos y a los que serian su posterior apoyo. Los nuevos edificios y sus tipos se atribuían a las diversas instituciones creadas por el vulgo que eran destinatarias de la propaganda arquitectónica papal.

En el siglo XV personalidades importantes y familias pudientes construyeron sus residencias privadas, urbanas y de extramuros así como nuevos centros creados para la vida política y cultura cortesana de las ciudades, aplicando las formas arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad. Desde el siglo XV al XVI también construyeron lejos de las ciudades, villas con jardines como nuevo centro de la cultura cortesana en Italia.

                                                   

Arte clásico 

¿Qué es el arte clásico?El arte clásico es el conjunto de formas artísticas que se mezclan a partir de las diversas influencias de una sociedad humanista como la griega, que continua hasta en el mundo romano, que intentar expresar la visión sensible y sentimental que tenía el artista acerca del mundo, ya fuera este mundo real o imaginario. Este estilo de arte además de incluir las disciplinas básicas que todos los artes incluyen (pintura, arquitectura y escultura) también incluyen la literatura de distintas formas, tanto la literatura griega como la latina. En esta última literatura se incluyen a la poesía, al teatro y a la filosofía. Se desarrolla durante el primer milenio a.C. y hasta la primera mitad del primero dC., como expresión plástica de la unión de las  civilizaciones griega y romana.

Sin embargo, aunque este tipo de arte se puede observar en varios países ya que fue una agrupación de diferentes culturas, donde más destacó fue en Grecia y en Roma, pero en Roma duró poco tiempo y aunque se pueden observar muchas obras de esta clase de arte no son tan abundantes como las hay en Grecia.

Características del arte Griego y del Romano

GRECIA

Los griegos comenzaron en el siglo VII a.C. a construir sus propios templos en piedra, con un estilo propio y específico. Los materiales usados eran distintos según la localización, por ejemplo la piedra caliza se utilizaba  en el sur de Italia y Sicilia, el mármol en las islas griegas y en Asia Menor y la caliza revestida con mármol en el continente. Más tarde levantaron sus edificios principalmente de mármol. En las polis griegas se creó las plazas públicas, llamadas ágoras, se construían en el centro de la vida urbana, donde  se desarrollaba la vida económica, política y religiosa de la polis, se reunían los hombres para charlar de los más diversos asuntos y exponían sus mercancias los mercaderes. No faltaban tampoco en el ágora las bibliotecas, como la famosa biblioteca de Panteno o de Éfeso; los gimnasios; las torres de los vientos (edificios donde se colocaban relojes de sol o de agua y una especie de veleta); y por supuesto los templos y altares.
La arquitectura de los templos griegos se ha dividido tradicionalmente en tres estilos u órdenes denominados dórico, jónico y corintio.
De la  pintura griega, sólo queda constancia a través de las fuentes literarias, que hablan de grandes maestros como Polignoto, Parrasios, Zeuxis o Apeles, el retratista de la corte macedonia, las copias romanas y, sobre todo, por medio de la cerámica.
Respecto a la escultura griega sirvió durante toda la época de la Grecia Antigua como modelo de perfección formal, y de canon de belleza humana. Por ello, es un arte totalmente antropomórfico, que se centra en la representación de figuras humanas perfectas en cuanto a las medidas, o en la muestra de sentimientos humanos.

ROMA

La arquitectura romana fue considerada por los romanos expresión de su poderío. En la ciudad romana el centro de la vida urbana era el foro, que era el lugar de reunión, centro de la vida política, económica, judicial y religiosa, dentro del foro se crearon los mercados y más tarde se ampliaron en sus alrededores. En el Imperio Romano entre los siglo I y II d. C. las ciudades no se amurallaron, o sus murallas fueron muy bajas, pero a partir del siglo III, la creciente amenaza de los bárbaros hizo necesario de nuevo este tipo de construcciones. Para abastecerse de agua construyeron los acueductos y templos que emplearon la piedra y el ladrillo, pudiendo añadir a sus construcciones elementos arquitectónicos curvados, como el arco, la bóveda y la cúpula. Como ejemplo más asombroso es el Panteón de Agripa, en Roma. También crearon teatros y anfiteatros, siendo el más famoso el ya nombrado Anfiteatro Flavio o Coliseo, en Roma, construido en el año 80 d.C. Famosos también fueron los circos, que se utilizaban para los espectáculos como el de las carreras de caballos. Las construcciones de las casas eran de varios tipos, los  domus que así se le llamaban  a la casa unifamiliar de la ciudad, pertenecientes a los ciudadanos acomodados, y la  ínsula, que eran unos bloques de casa donde vivían  la gente pobre. Fuera de la ciudad se levantaba la villa, que eran de dos clases, la villa urbana, que era un tipo de residencia lujosa para los ricos y la villa rústica, o casa de campo, dedicada a la agricultura y ganadería.
De la pintura romana quedan escasas muestras, como ejemplo tenemos las murales descubiertas y conservadas en las excavaciones de Pompeya y Herculano, que nos dieron a entender que la pintura debió de tener una importancia primordial en la Roma clásica, pues todas las casas presentaban en sus paredes pinturas que, en muchos casos, eran de altísima calidad.
Respecto a la escultura romana es de bastante menos importancia que la griega, de la que toma los modelos y en la que se inspira totalmente. Los romanos aplicaron su enorme sentido práctico a la escultura, y no se dedicó a estudiar la belleza ideal o las proporciones humanas perfectas, solo buscó una finalidad más aplicable a sus necesidades.

Periodos del arte Griego

El arte Griego tiene cuatro periodos bien diferenciados:

• Periodo Arcaico: es uno de los más brillantes de su historia gracias a tres fenómenos, la Colonización del Mediterráneo, el nacimiento de la Polis y las Tiranías. El periodo arcaico abarca desde la conquista de los dorios en el siglo XII hasta el siglo V y fue en este periodo donde surgió la cultura dórica y la jónica. Se aprovechó mucho el comercio, ya que las buenas condiciones geográficas que poseía Grecia le permitió a los hombres dedicarse a la cultura, a la poesía y al arte.
• Periodo Clásico: Se le dio  importancia al lugar religioso, pero sobre todo  los griegos siempre tuvieron más en cuenta la condición humana, pensaban  que la ciudad era para las personas y no para los dioses, los cuales tenían su propia residencia  en el valle del Olimpo para la devoción de todos. La parte cultural se refleja en cambios en las esculturas, que toman otras proporciones más similar a la escala humana, como sus rostros, que eran más naturales en los gestos, los cuales no se notan en el periodo anterior y también en la postura de las estatuas,  que eran  de una forma más natural y donde las articulaciones y músculos se veían más reflejadas.
• Periodo Helenístico: Las características generales de la escultura helenística vienen dadas principalmente por las novedades técnicas e iconográficas que incorporan. Podemos ver la desaparición de la ley de la frontalidad, una notable aparición de la figura serpentinata, que es una torsión de los cuerpos y los grupos, se empezó a crear grupos escultóricos y no solo de esculturas individuales. Los temas elegidos eran la  representación de todas las clases sociales y edades humanas, no solo a jóvenes o dioses y  una gran atracción por representar  la alegoría como tema.
• Orden Dorico: Aparece en el siglo VII a.C. El capitel dórico es abstracto, se compone de dos elementos geométricos sin decoración escultórica: el primero, llamado equino, es una sección ascendente de esfera en forma de disco, mientras que el segundo, el ábaco, es un prisma recto de base cuadrada sobre el que descansa el arquitrabe, siendo este capitel  una de las más hermosas creaciones del arte griego, por la combinación de sus dos formas, el equino circular y el ábaco cuadrado
• Orden Corintio: Se caracteriza fundamentalmente por el capitel formado por dos cuerpos, el inferior con doble fila de horas de acanto y unos caulículos o tallitos que surgen entre estas hojas y se enroscan en los ángulos y centros; el ábaco es curvo y más fino, y el entablamento sigue el modelo jónico, más enriquecido por molduras o elementos decorativos. También se destaca por el tamaño de las columnas que responde a una proporción o canon, tomando como unidad de representación ideal del cuerpo humano.

Obras importantes del arte Griego

Kuro´s: Representa a un joven victorioso en los juegos. Esta hecha en mármol y mide 1,95 centímetros. Es un tipo de escultura que imperó entre los siglos VIII Y VI a.C.
Auriga de Delfos: Data del S. V a.C. Se cree que se realizó  para conmemorar la victoria de un tirano, en la carrera de cuádrigas. Su altura es de 1,80 centímetros y estás hecha de bronce, siendo una de las pocas esculturas originales que se conservan del mundo griego. En esta escultura se ve que se mantiene la rigidéz, pero ya tienen cierta expresión en el rostro que empieza a hacer camino a la Grecia clásica.
Tiranicidas: Es una obra que representa el retrato idealizado de dos ciudadanos atenienses, Aristogitón y Harmódio, que fueron considerados Héroes y mártires de la libertad en el 514 a.C.
Poseidón: Fue el segundo más  importante Dios de Atenas, después de Atenea. La escultura fue realizada en bronce, con una altura de más de dos metros, entre el 470 y 460 a.C.
Discóbolo de Mirón: En esta obra se representa a un atleta justo en el instante anterior a lanzar un disco, representando  el momento en su máxima tensión y esplendor, la torsión del cuerpo, es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada.
Atenea de Fidias: Imponente escultura de la Diosa Atenea, con aproximadamente 8 metros de altura, que fue esculpida por Fidias y para ello utilizó la  madera, el oro y el marfil. Se colocó  en el Partenón de Atenas, para el disfrute y admiración de todos, teniendo  un gran impacto entre sus contemporáneos del Siglo de oro, V y IV a. C.

Primeras civilizaciones: Persia, Mesopotamia y Egipto.

Arte de Mesopotamia

 La sociedad, economía y arte se determinó gracias a su aspecto geográfico.

  

La arquitectura :Usarón el ladrillo, construían sobre terrazas, sus monumentos eran religiosos y civiles. Al ser la piedra escasa, el ladrillo la  sustituyo.

La escultura:Bulto redondo; el arte asirio(divinidad), la expreción es ruda, violenta y aveces pesada.
 

 La pintura:Subordinado a la arquitectura y a la escultura. Usada principalmente para resaltar el relieve.



El arte mesopotámico se caracteriza por ser bueno en la técnica 'GLIPTICA'

 

Arte Presa

Lo más original fue su religión mazdeista. 
Su culto era en honor del fuego.



 Escultura social Persa.




Caracteristicas artísticas
 Presenta dos claras influencias: Mesopotamia y Grecia.

 Catitel bicefalo
 Soporte formada por cabezas de toros, de asnos salvajes o leones con patas replegadas.



Arquitectura: Se caracteriza por las grandes bóvedas que los cubren. Preferian usar el ladrillo.


Escultura:Estuvo al servicio de la arquitectura. En relieve aplicada a los muros. Usaban piedra caliza.




Animalistica.
Obseción por el color.
Fueron aficionadas a las joyas.
La orfrería fue arte esencial.
Arte Egipcio
La sociedad estaba determinada por el concepto divino del faraón. Su estética era medida por el medio social y economía.



La arquitectura:Realizada con madera, adobe y piedra, con monumentos prismáticos, funerarias o tumbas.






La escultura:Realizada en maderay piedra, era realista y naturalista con relieves, retratos y monumentos.



La pintura:Gran habilidad en dibujo y supremo colorido, sin nesecidad de modelar figuras en tres dimenciones.




Esto es todo en mi segunda publicación, gracias por visitar mi blog, deja tus comentarios.
Hasta la proxima.

Hola a todos!
Como mi primera entrada en este blogger, abordare uno de los primeros temas que vimos durante las clases.

Arte en la prehistoria.

Primeramente iniciemos poniendo más en claro el consepto del "atre", con esto nos referimos a las actividades en las que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas-valiéndose de la materia, la imagén o el sonido.

Pero, ¿a qué nos referimos con arte rupestre? Se conoce como arte rupestre a aquellos rastros de la actividad humana o imágenes que han sido gravadas o pintadas sobre superficies rocosas, ( como en cuevas). Donde estan documentados innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; esenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas etc.

 

Calendario Maya.

Establecer con exactitud su comienzo no es algo sencillo. No obstante,la historia del arte como disciplina nos ha proporcionado diversos estudios e investigaciones con los cuales es posible considerar que el Paleolítico es uno de los periodos más antiguos en los que se registró actividad artística.

El Paleolítico se cataloga como el periodo más extenso de la historia y, a grandes rasgos, se divide en tres etapas: Inferior, que apareció nuestra especie, el Homo sapiens, hace 200,000 años.